Expo S.M.A.K. 05.02... 24.04.2005
Michaël Borremans
Cette exposition associe deux expositions itinérantes de l'artiste belge Michaël Borremans (°1963), l'une présentant des dessins, l'autre des peintures.
Michaël Borremans: dessins
Michaël Borremans (°1963, Grammont) est minutieux et prudent quand il s’agit de ses dessins. Minutieux parce qu’il conçoit des dessins pleins de sous-entendus. Mesuré parce qu’il veille à ce que personne n’y découvre un objectif supérieur. Michaël Borremans a la même aversion pour les histoires qui se cacheraient derrière les illustrations que pour « la déformation de la réalité avec laquelle les média nous agressent quotidiennement » …
Michaël Borremans réfléchit régulièrement dans ses dessins à la culture de masse d’aujourd’hui. Dans ses petits dessins, il confronte le spectateur aux « illusions historiques » qui sont à la base de la société actuelle et il nous montre le mensonge et l’indifférence du monde qui nous entoure.
Dans le travail de Borremans, on retrouve les illusions qu’il constate autour de lui, des illusions sur les choix politiques, la liberté personnelle et la capacité de pouvoir agir en tant qu’individu sur ce monde plein de complexité. Pour communiquer aussi clairement que possible ces illusions au spectateur, M. Borremans confère à ses dessins une esthétique séduisante et un caractère provocant.
Des références explicites à l’histoire de l’art et à la tradition culturelle jouent ici un rôle très important. Il laisse ainsi entrer en ligne de compte différents genres dans ses dessins : le portrait, le buste, le masque mortuaire, le monument ou le mémorial. En outre, Borremans fait aussi référence à des lieux où les œuvres d’art sont constamment exposées, comme les cabinets, les musées ou les espaces publics. Enfin, il s’intéresse aussi aux différentes possibilités de mise en scène de l’art qui ont été développées au cours de l’histoire de l’art récente : le diorama du 19e siècle, la photographie avant l’aire du numérique ou les grandes projections vidéo comme on les retrouve aujourd’hui. De plus, la question de la réalité et des illusions apparaît en filigrane au travers des dessins. Michaël Borremans revient toujours sur la distance entre ce que nous appelons la réalité et la fantaisie ou l’imagination artistique. On le remarque clairement car il représente régulièrement les spectateurs dans ses dessins comme des figurines sur des socles, comme des représentants presque artificiels des véritables observateurs de l’œuvre d’art.
Cette opposition entre la réalité et la fantaisie exprime aussi la perception propre à Michaël Borremans de son œuvre. Il la considère, en effet, comme une sorte de proposition d’intervention ou d’installation dans l’espace public. L’exécution de ces études préliminaires dessinées n’atteindra toutefois jamais la « véritable » réalité. Vu que Borremans qualifie une intervention publique « d’acte d’agression », il « limitera » plutôt l’exécution dans une maquette. En jouant ainsi avec cette idée, Borremans effleure avec beaucoup de conséquence la barrière très mince entre la réalité et la fantaisie qui donne tant de personnalité à son travail.
Outre ces aspects de l’art du dessin chez Michaël Borremans, le temps et l’histoire eux-mêmes jouent un rôle crucial. Il utilise régulièrement des sources visuelles plus anciennes comme point de départ de ses dessins. Il s’agit surtout de photographies du 19e siècle, de revues et de livres d’images des années 30 à 50, qu’il retrouve dans leur état d’origine ou sur Internet. Il montre ainsi dans ses dessins la mode de l’époque en matière de vêtements, de coiffures. Et cela donne à son travail un caractère vraiment rétrospectif. En même temps, le caractère ancien et l’esthétique de ces sources visuelles semblent aussi se transposer sur le dessin grâce à l’utilisation des couleurs. Borremans utilise des images qui sont disponibles en masse, y recherche ses propres images et parvient à établir un lien entre la notion de passé historique, la tradition culturelle et les problèmes d’aujourd’hui.
D’un point de vue forme et stylistique, les dessins de M. Borremans trahissent une nette influence de ses études graphiques et en photographie antérieures : ils évoluent lentement. Chaque dessin est réalisé soigneusement. L’artiste retravaille sans cesse la surface proprement dite pour la corriger encore, couche après couche, et l’approfondir.
Lors de ce processus très prudent, Borremans dévoile ses affinités avec la tradition nordique de la peinture miniature et avec les dessins des maîtres anciens. Le fondement du contenu pour ces choix formels montre aussi l’enracinement de Michaël Borremans dans la tradition de la peinture belge. Tout comme les œuvres de compatriotes, tels James Ensor, Félicien Rops, René Magritte et Thierry De Cordier, la main de M. Borremans respire l’impulsion surréaliste, soucieuse d’éviter les associations logiques.
En ce qui concerne le matériau et la forme sous laquelle ils apparaissent, les dessins de Michaël Borremans sont très suggestifs et intuitifs. Presque tous les types de matériaux sont utilisés par l’artiste comme support potentiel de son travail. Il dessine aussi bien sur des enveloppes déchirées, avec le timbre toujours présent, que sur des couvertures de livres déchirées, sur l’arrière de vieilles photographies, sur des feuilles de calendrier, sur des restes de passe-partout, etc. Borremans insiste ici sur ses affinités avec l’histoire. Chaque support a sa propre histoire et en révèle de puissants signes extérieurs qui sont exploitées par l’artiste dans son dessin. Borremans veut montrer, en choisissant de tels types de matériaux, que les œuvres ne naissent pas de nulle part et qu’elles ne peuvent pas être purement et simplement comprises à partir du contexte actuel du dessin.
Borremans utilise surtout comme matériel de dessin les crayons, les aquarelles et l’encre de Chine blanche, avec une exception pour la gouache et la peinture à l’huile (qu’il patine toujours). Seul un petit nombre de dessins sont simplement soulignés au crayon.
Les nuances de couleur typiques de Borremans, les teintes brunes et grises, s’adaptent à la patine « à l’ancienne », qui est déjà présente dans le matériau utilisé comme support. Cette présence « du passé » est encore accentuée par la présentation dans le musée choisie par Borremans : des cadres discrets en bois, parfois bordés de passe-partout blancs avec une coupe diagonale parfaite.
L’initiative de cette exposition axée sur les dessins de Michaël Borremans vient du Kupferstichkabinett de Bâle ; elle a déjà pu être admirée au Musée des Beaux-Arts de Bâle et au Museum für Gegenwartskunst. Ici, au SMAK, cette exposition est complétée par une sélection de toiles de Michaël Borremans visibles au rez-de-chaussée. L’exposition de dessins partira en automne 2005 au Cleveland Museum of Art à Cleveland, Ohio (États-Unis).
A l’occasion de cette exposition, un catalogue a été réalisé avec des textes de Anita Haldemann, Peter Doroshenko et Jeffrey D. Grove. Le livre et l’exposition sont des co-productions du Musée des Beaux-Arts de Bâle, du Museum für Gegenwartskunst, du Cleveland Museum of Art à Cleveland, Ohio (États-Unis) et du SMAK à Gand, Belgique.
Michaël Borremans: paintures
At first sight the small paintings by Michael Borremans (b. 1963, Geraardsbergen) appear straightforward and convincingly realistic. Nothing could be less true, however. Beneath this seemingly clear imagery and unambiguous content lies an impressive, confusing and odd world which shows itself to be increasingly mixed up the longer one looks at the paintings.
On a slightly closer examination of the paintings one realises that the brushstrokes, applied with great talent, not only please the eye but are also intended to provoke the viewer. What one observes here is not a purely narrative scene, but a sort of internal world in which several strange elements complement and/or contradict one another.
This internal complexity is already expressed in the choice of the seemingly simple titles that Borremans gives his paintings. Such words as The Pupils, The Barn, The Performance and The Preservation seem simple, but when combined with the image they accompany, give rise to a sort of double deception, which on the one hand can work as a guide and lead to a deeper insight into the painting but on the other can actually encourage the sense of wonder.
In order to understand Michael Borremans’ paintings better, they have to be seen in the context of the ‘humanist’ tradition of painting. One of its most representative artists is Francisco de Goya (1746-1828), who tried to capture the purest state of human existence in disturbing images of the society of the time. Borremans’ handling of this theme is however on a more philosophical and abstract level, where he greatly accentuates the absurdity of human existence. His paintings are frequently populated by almost dehumanised figures who perform absurd minor actions in an entirely imaginary world. This painted environment in which the characters move remains almost completely anonymous and is rarely elaborated in any detail. The only real activity in the painting is the cool grey-white light that focuses on the figures and makes them stand out more.
This light, which is created by Borremans’ subtle and almost sensual brush strokes, is halfway between the coolly analytical and the sensitively poetic. He rarely uses white to achieve this, but more often colours ranging from cream to grey. As a result these pictures radiate a warmth that is often to be found in old paintings, but at the same time they suggest a sort of still detachment. The sober and highly distilled composition of the picture area makes it seem that the figures and objects live in a ‘still-life world’, which summons up feelings of melancholy and nostalgia, to some extent similar to the spirit of 19th-century Romantic painting.
In contrast to that particular artistic tendency, which pictured the insignificant and doubting human in overwhelming landscapes, Michael Borremans focuses entirely on the human figure and human existence itself. He manipulates his characters in an artificial world which nevertheless appears realistic, thereby actually reducing them to pawns of some sort, who seem to have lost all freedom of choice.
By emphasising this artificiality, Borremans also raises questions regarding the medium of painting itself. Although he paints only figuratively, he nevertheless considers painting as a purely artificial art form, in which it is impossible to get close to actual reality. Borremans takes this contrast between reality and fiction to extremes by introducing ‘alien’ elements, which makes it more difficult for the viewer to project realistic or narrative associations into the works. This means that although they are in themselves aesthetic, figurative and thus accessible, as far as their themes are concerned the paintings are actually abstract.
Borremans draws inspiration for his work from both older media such as dated photos from the Thirties and Forties, and more recent sources such as films, soaps and television series. Another fertile source is his fascination for kitsch, typified by the porcelain figures that adorn the windowsills of many Flemish houses. By choosing these media, combined with his extremely sensual, skilful and figurative painting style, Borremans deliberately tries to give his paintings a sort of sexy allure, which greatly increases their attraction for the viewer. The intention is to capture the viewer’s gaze for as long as possible, so that he will automatically start looking for the deeper abstract thematic content of the painting. The choice of subjects rarely has any specific intention but is usually determined by chance.
This exhibition of paintings by Michael Borremans runs parallel to the exhibition of his drawings on the first floor. In the course of 2005 the exhibition will move on to the Parasol Unit Foundation for Contemporary Art in London and to the Royal Hibernian Academy in Dublin. This exhibition of drawings was compiled on the initiative of the Kupferstichkabinett Basel, and has already been shown at the Kunstmuseum Basel, Museum für Gegenwartskunst. In autumn 2005 it will also be shown at the Cleveland Museum of Art in Cleveland, Ohio (USA). The SMAK is therefore the only place where the two exhibitions can be seen at the same time.
To accompany this exhibition of paintings, a catalogue is being published with articles by Patrick T. Murphy, Hans Rudolf Reust and Ziba de Weck Ardalan.
Michaël Borremans: dessins
Michaël Borremans (°1963, Grammont) est minutieux et prudent quand il s’agit de ses dessins. Minutieux parce qu’il conçoit des dessins pleins de sous-entendus. Mesuré parce qu’il veille à ce que personne n’y découvre un objectif supérieur. Michaël Borremans a la même aversion pour les histoires qui se cacheraient derrière les illustrations que pour « la déformation de la réalité avec laquelle les média nous agressent quotidiennement » …
Michaël Borremans réfléchit régulièrement dans ses dessins à la culture de masse d’aujourd’hui. Dans ses petits dessins, il confronte le spectateur aux « illusions historiques » qui sont à la base de la société actuelle et il nous montre le mensonge et l’indifférence du monde qui nous entoure.
Dans le travail de Borremans, on retrouve les illusions qu’il constate autour de lui, des illusions sur les choix politiques, la liberté personnelle et la capacité de pouvoir agir en tant qu’individu sur ce monde plein de complexité. Pour communiquer aussi clairement que possible ces illusions au spectateur, M. Borremans confère à ses dessins une esthétique séduisante et un caractère provocant.
Des références explicites à l’histoire de l’art et à la tradition culturelle jouent ici un rôle très important. Il laisse ainsi entrer en ligne de compte différents genres dans ses dessins : le portrait, le buste, le masque mortuaire, le monument ou le mémorial. En outre, Borremans fait aussi référence à des lieux où les œuvres d’art sont constamment exposées, comme les cabinets, les musées ou les espaces publics. Enfin, il s’intéresse aussi aux différentes possibilités de mise en scène de l’art qui ont été développées au cours de l’histoire de l’art récente : le diorama du 19e siècle, la photographie avant l’aire du numérique ou les grandes projections vidéo comme on les retrouve aujourd’hui. De plus, la question de la réalité et des illusions apparaît en filigrane au travers des dessins. Michaël Borremans revient toujours sur la distance entre ce que nous appelons la réalité et la fantaisie ou l’imagination artistique. On le remarque clairement car il représente régulièrement les spectateurs dans ses dessins comme des figurines sur des socles, comme des représentants presque artificiels des véritables observateurs de l’œuvre d’art.
Cette opposition entre la réalité et la fantaisie exprime aussi la perception propre à Michaël Borremans de son œuvre. Il la considère, en effet, comme une sorte de proposition d’intervention ou d’installation dans l’espace public. L’exécution de ces études préliminaires dessinées n’atteindra toutefois jamais la « véritable » réalité. Vu que Borremans qualifie une intervention publique « d’acte d’agression », il « limitera » plutôt l’exécution dans une maquette. En jouant ainsi avec cette idée, Borremans effleure avec beaucoup de conséquence la barrière très mince entre la réalité et la fantaisie qui donne tant de personnalité à son travail.
Outre ces aspects de l’art du dessin chez Michaël Borremans, le temps et l’histoire eux-mêmes jouent un rôle crucial. Il utilise régulièrement des sources visuelles plus anciennes comme point de départ de ses dessins. Il s’agit surtout de photographies du 19e siècle, de revues et de livres d’images des années 30 à 50, qu’il retrouve dans leur état d’origine ou sur Internet. Il montre ainsi dans ses dessins la mode de l’époque en matière de vêtements, de coiffures. Et cela donne à son travail un caractère vraiment rétrospectif. En même temps, le caractère ancien et l’esthétique de ces sources visuelles semblent aussi se transposer sur le dessin grâce à l’utilisation des couleurs. Borremans utilise des images qui sont disponibles en masse, y recherche ses propres images et parvient à établir un lien entre la notion de passé historique, la tradition culturelle et les problèmes d’aujourd’hui.
D’un point de vue forme et stylistique, les dessins de M. Borremans trahissent une nette influence de ses études graphiques et en photographie antérieures : ils évoluent lentement. Chaque dessin est réalisé soigneusement. L’artiste retravaille sans cesse la surface proprement dite pour la corriger encore, couche après couche, et l’approfondir.
Lors de ce processus très prudent, Borremans dévoile ses affinités avec la tradition nordique de la peinture miniature et avec les dessins des maîtres anciens. Le fondement du contenu pour ces choix formels montre aussi l’enracinement de Michaël Borremans dans la tradition de la peinture belge. Tout comme les œuvres de compatriotes, tels James Ensor, Félicien Rops, René Magritte et Thierry De Cordier, la main de M. Borremans respire l’impulsion surréaliste, soucieuse d’éviter les associations logiques.
En ce qui concerne le matériau et la forme sous laquelle ils apparaissent, les dessins de Michaël Borremans sont très suggestifs et intuitifs. Presque tous les types de matériaux sont utilisés par l’artiste comme support potentiel de son travail. Il dessine aussi bien sur des enveloppes déchirées, avec le timbre toujours présent, que sur des couvertures de livres déchirées, sur l’arrière de vieilles photographies, sur des feuilles de calendrier, sur des restes de passe-partout, etc. Borremans insiste ici sur ses affinités avec l’histoire. Chaque support a sa propre histoire et en révèle de puissants signes extérieurs qui sont exploitées par l’artiste dans son dessin. Borremans veut montrer, en choisissant de tels types de matériaux, que les œuvres ne naissent pas de nulle part et qu’elles ne peuvent pas être purement et simplement comprises à partir du contexte actuel du dessin.
Borremans utilise surtout comme matériel de dessin les crayons, les aquarelles et l’encre de Chine blanche, avec une exception pour la gouache et la peinture à l’huile (qu’il patine toujours). Seul un petit nombre de dessins sont simplement soulignés au crayon.
Les nuances de couleur typiques de Borremans, les teintes brunes et grises, s’adaptent à la patine « à l’ancienne », qui est déjà présente dans le matériau utilisé comme support. Cette présence « du passé » est encore accentuée par la présentation dans le musée choisie par Borremans : des cadres discrets en bois, parfois bordés de passe-partout blancs avec une coupe diagonale parfaite.
L’initiative de cette exposition axée sur les dessins de Michaël Borremans vient du Kupferstichkabinett de Bâle ; elle a déjà pu être admirée au Musée des Beaux-Arts de Bâle et au Museum für Gegenwartskunst. Ici, au SMAK, cette exposition est complétée par une sélection de toiles de Michaël Borremans visibles au rez-de-chaussée. L’exposition de dessins partira en automne 2005 au Cleveland Museum of Art à Cleveland, Ohio (États-Unis).
A l’occasion de cette exposition, un catalogue a été réalisé avec des textes de Anita Haldemann, Peter Doroshenko et Jeffrey D. Grove. Le livre et l’exposition sont des co-productions du Musée des Beaux-Arts de Bâle, du Museum für Gegenwartskunst, du Cleveland Museum of Art à Cleveland, Ohio (États-Unis) et du SMAK à Gand, Belgique.
Michaël Borremans: paintures
At first sight the small paintings by Michael Borremans (b. 1963, Geraardsbergen) appear straightforward and convincingly realistic. Nothing could be less true, however. Beneath this seemingly clear imagery and unambiguous content lies an impressive, confusing and odd world which shows itself to be increasingly mixed up the longer one looks at the paintings.
On a slightly closer examination of the paintings one realises that the brushstrokes, applied with great talent, not only please the eye but are also intended to provoke the viewer. What one observes here is not a purely narrative scene, but a sort of internal world in which several strange elements complement and/or contradict one another.
This internal complexity is already expressed in the choice of the seemingly simple titles that Borremans gives his paintings. Such words as The Pupils, The Barn, The Performance and The Preservation seem simple, but when combined with the image they accompany, give rise to a sort of double deception, which on the one hand can work as a guide and lead to a deeper insight into the painting but on the other can actually encourage the sense of wonder.
In order to understand Michael Borremans’ paintings better, they have to be seen in the context of the ‘humanist’ tradition of painting. One of its most representative artists is Francisco de Goya (1746-1828), who tried to capture the purest state of human existence in disturbing images of the society of the time. Borremans’ handling of this theme is however on a more philosophical and abstract level, where he greatly accentuates the absurdity of human existence. His paintings are frequently populated by almost dehumanised figures who perform absurd minor actions in an entirely imaginary world. This painted environment in which the characters move remains almost completely anonymous and is rarely elaborated in any detail. The only real activity in the painting is the cool grey-white light that focuses on the figures and makes them stand out more.
This light, which is created by Borremans’ subtle and almost sensual brush strokes, is halfway between the coolly analytical and the sensitively poetic. He rarely uses white to achieve this, but more often colours ranging from cream to grey. As a result these pictures radiate a warmth that is often to be found in old paintings, but at the same time they suggest a sort of still detachment. The sober and highly distilled composition of the picture area makes it seem that the figures and objects live in a ‘still-life world’, which summons up feelings of melancholy and nostalgia, to some extent similar to the spirit of 19th-century Romantic painting.
In contrast to that particular artistic tendency, which pictured the insignificant and doubting human in overwhelming landscapes, Michael Borremans focuses entirely on the human figure and human existence itself. He manipulates his characters in an artificial world which nevertheless appears realistic, thereby actually reducing them to pawns of some sort, who seem to have lost all freedom of choice.
By emphasising this artificiality, Borremans also raises questions regarding the medium of painting itself. Although he paints only figuratively, he nevertheless considers painting as a purely artificial art form, in which it is impossible to get close to actual reality. Borremans takes this contrast between reality and fiction to extremes by introducing ‘alien’ elements, which makes it more difficult for the viewer to project realistic or narrative associations into the works. This means that although they are in themselves aesthetic, figurative and thus accessible, as far as their themes are concerned the paintings are actually abstract.
Borremans draws inspiration for his work from both older media such as dated photos from the Thirties and Forties, and more recent sources such as films, soaps and television series. Another fertile source is his fascination for kitsch, typified by the porcelain figures that adorn the windowsills of many Flemish houses. By choosing these media, combined with his extremely sensual, skilful and figurative painting style, Borremans deliberately tries to give his paintings a sort of sexy allure, which greatly increases their attraction for the viewer. The intention is to capture the viewer’s gaze for as long as possible, so that he will automatically start looking for the deeper abstract thematic content of the painting. The choice of subjects rarely has any specific intention but is usually determined by chance.
This exhibition of paintings by Michael Borremans runs parallel to the exhibition of his drawings on the first floor. In the course of 2005 the exhibition will move on to the Parasol Unit Foundation for Contemporary Art in London and to the Royal Hibernian Academy in Dublin. This exhibition of drawings was compiled on the initiative of the Kupferstichkabinett Basel, and has already been shown at the Kunstmuseum Basel, Museum für Gegenwartskunst. In autumn 2005 it will also be shown at the Cleveland Museum of Art in Cleveland, Ohio (USA). The SMAK is therefore the only place where the two exhibitions can be seen at the same time.
To accompany this exhibition of paintings, a catalogue is being published with articles by Patrick T. Murphy, Hans Rudolf Reust and Ziba de Weck Ardalan.
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